Si les frases es poden organitzar en períodes, dins cada frase podem troar unitats més petites anomenades motiu. El motiu és un patró rítmic-melòdic que s’usa en la construcció de la frase. En la següent animació veim alguns dels motius que trobam en el minueto de Bach:Continuar leyendo «Motiu, Frase, Període»→
El contratenor és el cantant adult que canta en el tipus de veu masculina més alta, emprant el falset, la veu de cap i la veu de pit. L’aparició d’aquests cantants sorgeix com una alternativa davant la prohibició de l’Esglèsia Católica per a la continuitat dels castrati.
“A los contratenores, o se nos ama o se nos odia. La reacción es extrema porque no existe la indiferencia. Mientras a unos les parece ridículo que un hombre cante tan agudo, otros ensalzan nuestra voz y piden que se nos dejen más roles de mujer en la ópera” (Philippe Jaroussky).
Els contratenors son homes que cultivan les peculiaritats d’aquesta veu de soprano, per un peculiar desenvolupament del seu aparat fonador i sense haver estat alterat el seu desenvolupament hormonal.
L’aparició d’aquests cantants sorgeix com una alternativa als castrati. Aquests eran sotmesos en la sueva infantesa a un procès de castració per a conservar la seva veu aguda (de soprano, mezzo-soprano o contralt). Mitjançant aquesta intervenció trauàática, s’aconseguia que els nins que ja havian demostrat tenir especials dots per al cant, mantenguessin d’ adults una tessitura aguda capaç d’ interpretar veus característiques de papers femenins.
Su origen se sitúa en torno al año 1550 en que se conservan los primeros documentos referentes a cantantes castrados en Roma y Ferrara. Los castrati tuvieron una gran popularidad y llegaron a cobrar enormes cantidades de dinero por sus actuaciones. Aunaban en su voz la ternura de un niño y la potencia y fuerza de un adulto. Uno de los más famosos castrati fue Carlo Broschi más conocido como Farinelli.
Alessandro Moreschi, contratenor italià nascut en Monte Compatri (Roma), està considerat com el darrer dels castrati de la música occidental. Va començar els seus estudis en 1871 i en 1883, a l’edat de 25 anys, va entrar en el Cor de la Capella Sixtina com a solista.
El registro de un contratenor le faculta para cantar cómodamente papeles de soprano. Muchos sopranistas pueden alcanzar la coloratura de las sopranos femeninas e incluso más. Su extensión se sitúa, por tanto, por encima de la del tenor y coincide con la de la contralto, pero el timbre de uno y otra son claramente distintos. Es común la mezcla de los registros de voz de pecho y de voz de cabeza. Los términos contralto, alto o altus se emplean a veces como sinónimos de contratenor, si bien estos tres últimos se refieren indistintamente a hombre o mujer, cantante en esa tesitura, así como a la parte musical.
El empleo de la voz de contratenor y el uso del falsete se remontan varios siglos en la historia de Occidente. Con el nacimiento de la polifonía en los siglos XII y XIII sabemos de su uso, que se perpetúa hasta el siglo XVIII en las composiciones polifónicas.
En la música polifónica la voz de contralto era la que se hacía, ya desde el siglo XIII, el contrapunto al canto del tenor, al que servía en realidad de complemento. Más adelante, esas voz se dividió en contratenor bassus —que luego se convertiría en el bajo— y contratenor altus, situadas por debajo y encima de la voz de tenor. Por encima se situaba la voz soperanus, sopranus, la voz superior”.
En el siglo XX renace el interés por esta voz, y también por la interpretación histórica de la música antigua. Los contratenores son empleados actualmente con mayor frecuencia en óperas barrocas que contienen partes escritas originalmente para castrati en tesituras admisibles para su registro vocal (aunque a veces las obras se modifican para adaptarse a la extensión del contratenor).
Contratenor soprano o agudo (sopranista)
Son voces claras, ligeras. Sus poseedores atienden hoy por el nombre de sopranistas. Con frecuencia alcanzan notas muy elevadas, pero con un sonido estridente y poco agradable. Tienen una especial disposición para emitir esas sonoridades singularmente agudas, puede ser que por una suerte de atrofia de la laringe, lo que determina que sean individuos que tienen, incluso hablando, voz de mujer. Pero en caso contrario, si al hablar emiten un timbre varonil, está claro que ese colorido femenino que obtienen al cantar, deriva de un tratamiento muy específico de su técnica.
Contratenor mezzosoprano
Se ubica en un término medio, quizás la voz más usual en este campo. Sus sonoridades aflautadas son proverbiales. Muy probablemente, Farinelli y Senesino tendrían un instrumento de este colorido, desde su registro de castrati; como hoy Paul Esswood o James Bowman, Andreas Scholl, Brian Asawa, David Daniels son otros excelentes representantes.
Contratenor contralto o grave
De timbre equivalente al de la contralto femenina. Explota la parte más grave de su voz de cabeza y, en la zona más abisal, el registro de pecho. René Jacobs pertenece a esta clase. El español Carlos Mena es considerado el contratenor por excelencia y habitualmente tiene, al hablar, voz de tenor; mientras, en sentido inverso, los contratenores más agudos, incluso los sopranistas, pueden, en la locución, tener timbres más oscuros.
“Como ya sabemos (y a los que no lo saben, ahora se lo cuento), Platón defendía que la educación era fundamental para la construcción de la sociedad ideal, “kaliópolis” (ciudad feliz). Ésta educación se basaba en seis disciplinas: la gimnasia y cinco ciencias, aritmética, geometría plana, geometría de volúmenes, astronomía y armonía musical. La teoría del Ethos, doctrina en la cual participó Platón, explicaba la importancia de la gimnasia y la armonía musical en esta educación: la gimnasia proporcionaba salud, complementando los conocimientos que se adquirieran; “mens sana in corpore sano”, promulgaban. La armonía musical, para los griegos, representaba el equilibrio y la relación entre los planetas, y era capaz de provocar pasiones y estados de ánimo de gran utilidad en la formación pedagógica. Platón abogaba por la utilización de música frigia, que incrementaba la templanza, y dórica, que incrementaba el valor (atención, no hablamos de órdenes clásicos arquitectónicos, si no de modos musicales griegos. Por si las moscas), así como pensaba que algunos instrumentos, como el aulós(una doble flauta como la que aparece en la cabecera), debían prohibirse en el proceso pedagógico, pues estaban destinados a la diversión, y no a la concentración. Para Platón, la ausencia de ley en el arte y la educación conducen a la licenciosidad en las costumbres y a la anarquía en la sociedad. Junto con Aristóteles, ideó un sistema de educación pública basada en la teoría del Ethos (equilibrio gimnasia-música) que formaría a personas justas. Y con esta educación se podría iniciar la construcción de “kaliopolis”, la ciudad feliz.”
Por su parte, Aristóteles, quien estudió 20 años en la Academia de Platón, también toca el tema de la música, en “La política”. Su tratamiento, gira en torno a lo que ya su maestro, Platón, había planteado: la educación. Pero Aristóteles nos dice: “Está dividida la opinión en cuanto a las prácticas educativas, pues no todos están de acuerdo con lo que deben aprender los jóvenes, ya sea para la virtud, la vida mejor, la inteligencia o el carácter del alma”. Señala que cuatro son las materias que se acostumbra enseñar: lectura, escritura, gimnasia y música. La música, con el carácter, nos acostumbra a recrearnos correctamente. Para Aristóteles la música tiene una utilidad: el divertimiento de los hombres libres. Aristóteles ve elementos positivos en la música, los resalta, como cuando dice: “La música contribuye al reposo”. Y se adentra en los efectos de la música, diciendo que “la música da placer.. Y la virtud de gozar, amar y odiar rectamente”. Supone que estos efectos se deben a que: “…en los ritmos y las melodías que encontramos las semejanzas más perfectas en consonancia con su verdadera naturaleza de la ira y la mansedumbre, de la fortaleza y la templanza, como también de sus contrarios y de todas las otras disposiciones morales, los ritmos, unos tienen un carácter mas reposado, otros mas movido, y de estos unos inducen emociones más vulgares, y otros otras mas propias de un hombre libre”.
La doctrina grega de l’ethos es fonamentava en la convicció que la música afecta al caràcter i que els diversos tipus de música l’alteren de maneres diferents. Podem discernir una visió general en dues classes: un música en que l’efecte tendia cap a la calma i l’elevació, i una altra en que tendia a produir excitació i entusiasme. La primera s’associava al culte a Apol·lo i el seu instrument és la lira. La segona s’associava al culte de Dionis i el seu instrument era la flauta.
Mode prové del llatí modus i etimològicament significa «una manera de», és a dir, aplicat a la música es refereix a una manera de disposar una successió de sons. La música grega era monòdica, per tant, la melodia era la protagonista.
Les escales gregues comptaven amb se sons físicament determinats a la repetició del primer, una octava més agut. En la modalitat, els semitons canvien de lloc en cada mode, i això dona un caràcter diferent a cada escala. Continuar leyendo «Modalitat i tonalitat»→
És un altre concepte important que podem definir com la manera de entreteixir les veus o les diferents parts o línies d’una composició i es reflexa en l’aspecte visual de la partitura.
La primera vegada que ens trobam davant una partitura i no tenim molts de conéixements de música pensam que no nos asortirem mai. És veritat que al principi costa un poc però després no és tan difícil com ens pensavem.
És un tipus de música es produeix dia a dia i és un reflex del moment històric que està vivint una societat determinada. Està creada i produïda per uns músics amb un objectiu determinat que pot ser des d’expressar els seus sentiments fins a l’únic fet d’entretenir i divertir.
Existeixen moltes tendències però els termes que n’engloben més són el el música pop i música rock.
A diferència de la música anomenada clàssica, la música popular urbana té un procès de difusió molt ràpid i gairebé frenètic, ja que es consumeix de manera instantànea en un món en què els gustos canvien constanment.
D’altra banda, darrera les grans figures hi ha la feina d’una gran quantitat de professionals (productors, arranjadors, managers, djs, , etc). Cal saber-se rodejar dels colaboradors més adients i d’un bon marketing si es desitja l’èxit comercial.
La música, com tota manifestació artística, forma parte de la cultura de la humanitat i l’evolució reflexa del seu pensament i dels seus modos de vida. Cada cultura ha desenvolupat un llenguatge propi en funció de les seves necessitats , caracteristiques i la seva història.
Què és i per a què serveix la música?
De forma resumida, es pot dir que la música serveix: “Per a expressar, escoltar, callar, canviar, esser diferents, esser iguals, unir, enfortir, harmonitzar, equilibrar, definir, esser unics, conviure, reflexionar, divergir, coincidir, motivar, imaginar, inspirar, etc.”.
La música és valorada per totes les cultures des dels temps més primitius. Hi ha mitologies on la creació del món es realitza a partir dels so; d’altres pensen que la música és el mitjà per comunicar-se amb els déus. Continuar leyendo «La música en el món»→
La Soulución 